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giovedì 13 luglio 2017

Biennale di Venezia 2017



Ciao, 
anche quest'anno sarò alla Biennale di Venezia. Ecco qui i miei appunti per poterne godere al  meglio, che condivido con voi. 


                                                             Domenico 


venerdì 28 aprile 2017

Padiglione Paesi Nordici





The exhibition 'Mirrored' will be presented in the 2017 edition of the Nordic Pavilion at the 57th International Art Exhibition, la Biennale di Venezia. 'Mirrored' is a group exhibition featuring works by six artists from different generations: Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi “Sleeping” Myllymäki, and Mika Taanila.
'The artists in "Mirrored" present a mapping of connections that override the national and regional boundaries, and instead track a more multi-faceted view of how artistic practice may connect', says curator Mats Stjernstedt.
The exhibition 'Mirrored' attempts to avoid a topical approach, to focus on challenging a self-image reflected in, or stereotypes projected on, the Nordic countries. 'Mirrored' thus suggest a 'placeless place', to borrow Guiliana Bruno’s allegory on mirrors.
Siri Aurdal (b.1937), Charlotte Johannesson (b.1943), and Pasi “Sleeping” Myllymäki (b.1950) are innovators who, to some extent, have created and articulated the artistic realms they later came to work within. All three artists can be described as atypical for the Nordic Pavilion’s extended architecture, as much landscape and outdoor experience as an enclosed space. Their works are examples of urban art and urbanity that was ahead of its time in exploring industrial material, digital space, or design experiments with moving images. Aurdal’s module-based sculptures challenge the sculpture medium and establish new premises for it. Johannesson took her cue from traditional textile crafts and translated the logical setup of tapestries into computer-based pixels. Before giving up his film practice, Myllymäki produced forty-four super-8 films from 1976 to 1985; these films explore a wide range of elements from graphic design to performative actions.
A similar interest in urban subject matter, expressed, for instance, through material transformation or political content, intersects the works of the following artists: Mika Taanila (b.1965) is primarily recognised for producing temporal artworks in film, video and sound. For the present exhibition, Taanila uses montage technique to create a cut-out project in cinematic literature. Nina Canell’s (b.1979) experimental mode of relating to sculpture and installation, considers the place and displacement of energy. However, like Taanila’s film and sound work, they have a temporal quality, as Canell converts sculpture’s often fixed form into open-ended processes. The works of Jumana Manna (b.1987) explore how power is articulated through relationships, often focusing on the body and materiality in relation to narratives of nationalism, and histories of place. In her sculptural work, Manna indirectly unfolds representation, creating a visual language of absence and substitutes.

The Nordic Pavilion 
The Nordic Pavilion, by Norwegian architect Sverre Fehn, was completed in 1962 and has since been a space for collaboration between three nations – Sweden, Finland and Norway. For the past three biennials, a format was introduced which involved the solo commissioning of a project by each country in turn. For the period 2017–2021, the art in the Nordic Pavilion will be presented as a joint project, where the three countries are represented on equal terms. The countries will alternate as principal commissioner and manager of activities at the Nordic Pavilion as follows: 2017, Moderna Museet, Sweden; 2019, Frame Contemporary Art Finland, Finland; 2021, Office for Contemporary Art Norway (OCA).

Siri Aurdal 
 Siri Aurdal (b.1937) lives and works in Oslo, Norway. Aurdal has exhibited at Oslo Kunstforening, Kunstnernes Hus, Oslo, and Murray Guy, New York, and has participated in group exhibitions at Arkiv för dekorativ konst / Skissernas Museum, Lund, the 15th Biennial, Antwerp, Kunsthall Oslo, and Stavanger Kunsthall. A major sculptural work, Wavelengths – Recomposed, was installed in Oslo’s Vigeland park in 2016, as a joint project between Kunstnernes Hus and OSLO PILOT, Kulturetaten, the City of Oslo.

Nina Canell 
 Nina Canell (b.1979) lives and works in Berlin, Germany. Canell has exhibited at Kunsthalle Fridericianum, Kassel, Hamburger Bahnhof, Camden Arts Centre, London, Douglas Hyde Gallery, Dublin, Moderna Museet, Stockholm, Arko Art Center, Seoul, and in 2017 at Museum Tamayo, Mexico City. She has participated in various group exhibitions at several art institutions, including Biennale de Lyon, Sydney Biennale, Palais de Tokyo, Paris, Museum of Modern Art, New York, Liverpool Biennale, Tate Liverpool, and Manifesta 7, Rovereto. Canell was an Edstrandska Stiftelsen laureate in 2011, and was awarded the ars viva Prize for Visual Arts the same year.

Charlotte Johannesson 
 Charlotte Johannesson (b.1943) lives and works in Skanör, Sweden. She has exhibited at Galerie S:t Petri, Lund, Konstmuseet, Ystad, Galleri Glemminge, Gelmmingebro, Galerie Green, Malmö, Dexter Bang Sinister, Kunsthall Charlottenborg, Copenhagen, and Galleri Petra Lilja, Malmö, and has participated in various group exhibitions, including the 32nd São Paolo Biennale, the Van Abbemuseum, Eindhoven, Barbican Art Gallery, London, Göteborgs Konstmuseum, Norrköpings Konstmuseum, Museum of Modern Art, Toyama, Pratt Center, New York, Academy of Art College Gallery, San Francisco, Musée d’Art Moderne, Paris, Air Gallery, New York, Malmö Konsthall, and Kulturhuset, Stockholm. Johannesson was awarded the Royal Swedish Academy of Arts scholarship in 1976. In 2016, she was a laureate of the Aase & Richard Björklund Fund.

Jumana Manna 
 Jumana Manna (b.1987) lives and works in Berlin, Germany. She has exhibited at SculptureCenter, New York, Chisenhale Gallery, London, and Beirut Art Center. She has participated in group exhibitions at Kunsthalle Wien, the Liverpool Biennial, the 20th Biennale of Sydney, Marrakech Biennale 6, the Jerusalem Show VII, Al Ma’mal Foundation, and Henie Onstad Kunstsenter, Bærum. Manna’s films have been screened at festivals and institutions such as M+, Hong Kong, the 54th Viennale International Film Festival, Guggenheim, New York, Filmlab: Days of Cinema, Ramallah, Tate Modern, London, Performa13 Biennial, New York, and IFFR Rotterdam. She was awarded the A.M. Qattan Foundation’s Young Palestinian Artist Award in 2012, and is the ars viva Prize for Visual Arts laureate in 2017. In 2017, she is engaged in commissions for the Satellite Program 10, Jeu de Paume, Paris and CAPC Bordeaux, and for The HighLine, New York.

Pasi “Sleeping” Myllymäki 
 Pasi “Sleeping” Myllymäki (b.1950) is a filmmaker based in Hämeenlinna, Finland. Myllymäki’s films have been screened widely at festivals and art institutions in Finland and internationally, including Unica, Baku, The Kitchen, New York, Hämeenlinna Art Museum, Moderna Museet, Stockholm, Rajaton Elokuva Event, Joensuu, Avanto Festival, Kiasma, Helsinki, Nordisk Panorama, Oulu, VIDEO-EX, Zürich, Kauniita uneksijoita-event, Kino Kaiku, Malmitalo, Helsinki, Avant Goes Witty, Karlstad, IFFR, Rotterdam, Kinos Festival, Lahti, AAVE Festival, Helsinki, Rakkautta ja Anarkiaa Film Festival , Helsinki, and VIDEOMEDEJA Film Festival, Novi Sad.

Mika Taanila 
 Mika Taanila (b.1965) lives and works in Helsinki, Finland. Taanila has exhibited at Kiasma Museum of Contemporary Art in Helsinki, Contemporary Art Museum St. Louis, Migrosmuseum, Zürich, and Badischer Kunstverein, Karlsruhe. He has participated in the following selected group exhibitions: documenta (13), Kassel, Aichi Triennale, Nagoya, Manifesta 4, Frankfurt-am-Main, and Shanghai Biennale. Taanila’s films have been screened at numerous international film festivals and special events, including the Toronto International Film Festival, IFFR Rotterdam, Berlinale, CPH:DOX, International Short Film Festival Clermont-Ferrand, Midnight Sun Film Festival, Sodankylä, and Oberhausen Kurzfilmtage. In 2015, he was presented with the Ars Fennica Award.

Mats Stjernstedt has been Director of Kunstnernes Hus in Oslo since 2011, and was appointed Director for Malmö Konsthall from January 2017.

Padiglione Olanda






Dutch entry 57th Venice Biennale
Wendelien van Oldenborgh 
Cinema Olanda

An installation for the Dutch Pavilion
with a parallel program in the Netherlands

Curator: Lucy Cotter
Commissioner: Mondriaan Fund
13 May – 26 November 2017
Preview: 10 – 12 May 2017 (opening 10 May 12.00 hrs)


Cinema Olanda is a collaborative project by artist Wendelien van Oldenborgh (1962) and curator Lucy Cotter (Ireland, 1973) for the Dutch Pavilion at the Venice Biennale 2017. It embraces national representation as an opportunity to reflect on the Netherlands’ (inter)national image in relation to the current rapid transformations in Dutch society. The exhibition takes as its conceptual departure point Gerrit Rietveld’s Dutch pavilion (1953). Designed during the Postwar Reconstruction, when architecture was key to forging a new national image, the pavilion projects a progressive image of openness and transparency.

Van Oldenborgh has created a major new (filmic) installation engaging with the architectural and social vision of the Netherlands inherent in the pavilion and its resonance in Dutch society today. The installation enters into dialogue with Rietveld’s architecture, highlighting its aesthetics yet placed in tension with its underlying order. It houses three new ‘films’ by Van Oldenborgh in which architecture offers a departure point for individuals from different generations to address recent events and postwar developments from personal and professional perspectives. The films convey an alternative narrative to the Netherlands’ self-image as a tolerant nation, revealing the nation as a complex and rapidly transforming social, cultural and political space, both in the ‘50s and today.

Van Oldenborgh uses film as a medium and form of social production, and her oeuvre revolves around bringing contemporary situations and under-examined events from recent history together in unexpected constellations. She creates her work through live (public) film shoots, set in ideologically charged architectural location, in which script is generated collectively by polyphonic conversations between individuals with a personal or professional relationship to the work’s lines of enquiry.

giovedì 27 aprile 2017

Swatch + Biennale 2017



The love story continues: during a press conference held at the Swatch Art Peace Hotel, Swatch confirms the commitment as main partner of Biennale Arte 2017
Swatch has always loved taking art to the people. As the main partner of the 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia for the fourth consecutive time, the trendy Swiss watchmaker is again bringing its heart closer to an eager international audience, presenting the Swatch Art Peace Hotel Shanghai and four artists from the renowned artist residency.
Swatch Creative Director Carlo Giordanetti comments, “Being a close partner of Biennale Arte 2017 is an amazing opportunity because it gives us an international platform for the Shanghai project and our passionate commitment to supporting young talent in the arts. Art is an inspiration, a source of oxygen, a wonderful way to open one's mind.”
Bridging East and West, the Swiss brand is taking up its Faces & Traces theme in the Arsenale's Sale d'Armi B, with the presence of four international artists who have lived and worked at the Swatch Art Peace Hotel in Shanghai.


Art is the real luxury in life. A natural consequence is to bring art to where luxury is in Shanghai and to combine these components through creativity. Where can this blend of luxury, art and creativity be better expressed than in the Swatch Art Peace Hotel? A historic luxury hotel to host an artist residential community.
Shanghai is one of the world's most exciting places for contemporary art and the artists who create it. Workshops, theaters, galleries and museums light up, transforming the city into an avant-garde experiment in imagining the future.
The Swatch Art Peace Hotel artist residency invites artists from around the world to apply online for a residency in this extraordinary city.
Different forms of art are welcome to the artist residency, to explore the contemporary arts in China's most vibrant city: photography, music, filmmaking, writing, dancing, painting and conceptual art.
The applications are reviewed by an international committee whose efforts ensure that a broad range of artistic disciplines, styles and national origins is represented. The selection process aims to integrate artists in a spirit of openness and curiosity about creativity in its diverse forms and contexts.
At present, the members of the Artist Selection Committee are: Nayla Hayek, Chair of the Board of Directors, Swatch Group; Nick Hayek, CEO, Swatch Group; Esther Grether, art collector; George Clooney, Actor; François-Henri Pinault, Chairman and CEO, Kering; Mikhail Kusnirovich, Russian Entrepreneur and Chairman of the Strategic Development Committee of the Department Store GUM; Sir Francis Yeoh, Chairman of YTL Group.
Known and unknown artists are invited to stay and work for a period of 3 up to 6 months in one of the 18 workshops and apartments. They meet to exchange ideas, prepare and enjoy meals together, talk about their work and life in Shanghai, plan new projects and share their visions.
The artists-in-residence are accommodated in the Hotel at the invitation of Swatch Group, which for its part only asks that they leave a “trace” of their stay.
The Swatch Art Peace Hotel artist residency aims to contribute in a significant manner to the cultural and artistic development of Shanghai. Artists will benefit from their exposure to an international public at the most prestigious location in Shanghai, and it is hoped that the artist residency will serve as an open door to the world, a permanent invitation to engage in cultural exchange.


Padiglione Belgio




Dirk Braeckman (°1958) has spent the past 25 years  gradually developing an impressive portfolio. Working with the medium of photography, he occupies a distinctive place within the visual arts.
He has taken part in numerous exhibition both nationally and internationally, such as recent solo shows at LE BAL (Paris), De Pont (Tilburg), De Appel (Amsterdam), S.M.A.K. (Ghent) and ROSEGALLERY (Santa Monica, CA). In Belgium, his work has recently been featured at BOZAR in Brussels (2013), at M – Museum Leuven (2011) and at Zeno X Gallery in Antwerp (2015).
Braeckman’s works are part of important private and public collections around the world, including in FRAC Nord-Pas de Calais (Dunkirk), Sammlung Goetz (Munich), De Pont (Tilburg) and Fondation Nationale d’Art Contemporain (Paris), Central Museum (Utrecht), and Musée d’Art Contemporain et Moderne (Strasbourg). There are also several publications on his artistic practice and oeuvre.

mercoledì 26 aprile 2017

Non smettiamo di costruire utopie




È Valery Koshlyakov l’artista russo cui Ca’ Foscari Esposizioni dedica un’ampia rassegna, curata da Danilo Eccher, a partire dall’11 maggio 2017 e sino al 29 luglio. Per l’artista è un ritorno in Laguna, dove è stato tra i protagonisti della Biennale di Venezia del 2003.



Koshlyakov, che vive tra Parigi e Mosca, è presente con le sue opere in molte prestigiose collezioni: in Italia presso il MACRO, in Francia è presente al Centre Pompidou di Parigi e, naturalmente, in alcuni dei principali musei di Stato russi come la Galleria Tret'jakov di Mosca o il Museo Russo di San Pietroburgo. Ha inoltre esposto le sue opere al Louvre di Parigi, al Guggenheim di New York e Bilbao, al Museo Puskin di Mosca e al John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC. Va inoltre segnalato in particolare il Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca, che ha sostenuto il progetto di Venezia, in cui di recente l'artista ha allestito una sua mostra personale. Koshlyakov infatti è da molti anni considerato come una delle più autorevoli e interessanti voci dell’arte russa contemporanea.

Valery Koshlyakov è nato nel 1962 a Sal’sk, nel territorio del Rostov, dove ha frequentato una fra le più prestigiose Accademia d’Arte della Russia. Nel 1988 ha aderito al movimento “Arte o Morte”, un’associazione che riuniva i giovani artisti di una nuova stagione espressiva. Il nome, che richiama il motto del Che: “Patria o Muerte”, indicava lo spirito rivoluzionario che animava questi giovani protagonisti. Koshlyakov lascia tuttavia presto Mosca, per lavorare tra Berlino e Parigi, dando così l’avvio al suo successo internazionale.
Le sue grandi tele fissano l’immagine di un'intima fragilità, un sofferto stato di ansietà che si fissa nella vuota monumentalità delle rovine classiche. Si alternano simboli di città, di popoli, di epoche: sono gli aspetti visionari di un’arte che non smette di rincorrere l’Utopia, sono memorie e fantasie che confondono la realtà di un paesaggio con il desiderio di un’apparizione. Si tratti del Cremlino o di Notre Dame, del Colosseo o del Pantheon, di Place de la Concorde o di quella del Vaticano, dei frammenti di Pompei o delle architetture staliniane, ciò che ammiriamo sono sempre immagini in perenne bilico fra speranza e realtà. Opere all’apparenza colossali ed eterne nei dipinti di Koshlyakov assumono l’aspetto di meravigliose e fragili macerie. Macerie di grandiose civiltà, dilavate, meglio, ripulite e condotte dall’artista verso la loro vera essenza. Koshlyakov rincorre la fragilità utopica dei sogni artificiali, degli edifici del potere, dell’inevitabile dissolversi di ogni grandezza. 
In tale visionaria decadente potenza non poteva mancare l’immagine di Venezia, nella sua delicata e frangibile bellezza, contrappunto ideale per alcuni dei suoi ultimi grandi lavori.

Nella mostra veneziana saranno presenti pertanto anche opere che fanno riferimento alla città lagunare e ai suoi famosi Palazzi ma sarà soprattutto il tema dell’architettura del Palazzo e del suo interno - sia esso a Mosca o a Venezia - che farà da filo conduttore al percorso di mostra. Opere di grandi dimensioni, che riecheggiano gli studi di scenografia per l'evidente capacità di ricostruire lo spazio, come quando mette in scena le Sette sorelle di Mosca, gli imponenti grattacieli paradigmi del classicismo socialista. Nel lavoro di Valery Koshlyakov si può parlare in un certo senso di “gigantismo”: un gigantismo paradossale che impiega materiali poveri e di scarto come cartoni, colla, scotch, plastica, colori di avanzo – cosicché le bellissime “vedute” diventano esse stesse un allestimento di grande impatto visivo e di sicuro coinvolgimento. 

«Tutto il percorso artistico di Koshlyakov – osserva Danilo Eccher - appare quello instabile e precario di una costante oscillazione fra l’eleganza di una cultura nobile e la durezza di una realtà materica brutale, consapevole e orgoglioso del ricco patrimonio storico ma anche attento ai rigurgiti di una contemporaneità spietata, abile nel dominio di forme e spazi ma pronto a sporcarsi le mani con i linguaggi più ruvidi: Koshlyakov è sensibile poeta e guerriero barbaro»

I due piani di Ca’ Foscari Esposizioni ospiteranno dipinti di grandi dimensioni e molti oggetti.

Accompagna la mostra la monografia dedicata all’artista pubblicata da Silvana Editoriale in collaborazione con il Museo dell’Impressionismo Russo.

Mostra a cura di Danilo Eccher

Direzione scientifica: Silvia Burini, Giuseppe Barbieri
Segreteria scientifica: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR)

Padiglione USA


Mark Bradford’s exhibition for the U.S. Pavilion at the Biennale Arte 2017 is born out of his longtime commitment to the inherently social nature of the material world we all inhabit. For Bradford, abstraction is not opposed to content; it embodies it. His selection of ordinary materials represents the hair salon, Home Depot, and the streets of Los Angeles—both the culture industry and the grey economy.  Bradford renews the traditions of abstract and materialist painting, demonstrating that freedom from socially prescribed representation is profoundly meaningful in the hands of a black artist.
Bradford’s longtime social and intellectual interests will be present in the Pavilion, most notably in his concern for marginalized people, both their vulnerability and their resiliency, and the cyclical threat and hope of American unfulfilled social promise. Coming at a moment of terrible uncertainty, Tomorrow is Another Day is a narrative of ruin, violence, agency, and possibility, a story of ambition and belief in art’s capacity to engage us all in urgent and profound conversations, and even action.
Following its debut in Venice, Mark Bradford: Tomorrow Is Another Day will be on view at The Baltimore Museum of Art from September 2018 through January 2019.


¡Únete! Join Us! - Padiglione Spagna




Artist Jordi Colomer and curator Manuel Segade will represent Spain at the 57th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia. 

¡Únete! Join Us! ​invites visitors to become participants in an exploration of nomadism and collective agency. 

Transhumance, wanderings, journeyings, strayings, displacement: these themes are key to ¡Únete! Join Us!​, whose reference point is rooted in urban utopias that use movement as part of a radical rethinking of social imagination. Marking a return to his early sculptural and theatrical interest, Jordi Colomer’s exhibition at Pavilion of Spain is conceived as an installation of installations. 

Precarious sculptures and transitory architectures form a theatre within the pavilion, encompassing its audience as they walk through the space and turning them into actors, mobilising the space with their presence. The installations offer a path via several video narratives; a journey of occasions, unexpected encounters, playful improvisations and collective gestures that reveal how a community turns an urban landscape into a potential site for exchange, capable of affecting reality. 

“The city is something that needs to be moving,” notes curator Manuel Segade. “A contemporary urban landscape represents displacement and various themes involving movement – political, social and physical – while also moving between the public and the personal.” The fictional premise of the video pieces involves a group of people moving across different sites, exploring the semantics of displacement. 

An abandoned racetrack, an emergency trailer park, tourism-spoiled landscapes through the Mediterranean’s coastal areas and other spaces exclusively repurposed in detail to imitate pre-existing locations. These decidedly low-resource settings are a reflection on the uncertainty and ambivalence of a mobile, unstable, border-crossing citizenry. Suspended between a portable pavilion and a wanderer's wagon, a moveable contraption connects the spaces via an itinerary that conjures a Kafkaesque Babel where nomadic motion becomes linguistic commotion, a vernacular displacement inflecting and translating the activities of a de-territorialized community. Colomer’s community could be seen as a poetical occupation of a utopia under construction. Spain has always played a prominent role in the history of la Biennale di Venezia. Its pavilion in the Venice Giardini was designed in 1922 by Javier De Luque and renovated in 1952 by Joaquin Vaquero Palacios. 

Since 1950, the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation has been directly responsible for coordinating the country’s exhibitions in the Spanish Pavilion, and, throughout this time, it has strived to promote Spain’s rich artistic heritage and talent. Acción Cultural Española (AC/E - Spain’s Public Agency for Cultural Action) has been involved in the support of contemporary creation at the Venice Biennale, both in the production of the Spanish Pavilion and in the international selection. 

Artists invited to exhibit and intervene at the Spanish Pavilion have included Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Susana Solano, Santiago Sierra, and most recently, Miquel Barceló, Dora García and Lara Almárcegui. 

Artist: ​Jordi Colomer Curator: Manuel Segade 
Commissioners: ​Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID) 
Supporter: ​Spain’s Public Agency for Cultural Action (AC/E) 
Exhibition​: 13 May to 26 November 2017 
Press conference ​Wednesday, 10 May 2017 at 12.15 pm 
Official opening​: Wednesday, 10 May 2017 at 1.30 pm 

martedì 25 aprile 2017

Rita Kernn-Larsen da Peggy





Nella stagione della Biennale Arti Visive la Fondazione Peggy Guggenheim presenta un inedito approfondimento dedicato all’arte surrealista di Rita Kernn-Larsen, rinomata pittrice danese, a cui Peggy dedicò la prima personale nella sua galleria londinese Guggenheim Jeune nel 1938. Raccolta e mirata, si tratta della prima presentazione del lavoro della Kernn-Larsen al di fuori della Scandinavia dopo la mostra del ’38.



Si tratta di un inedito approfondimento dedicato all’arte surrealista di Rita Kernn-Larsen, rinomata pittrice danese. La mostra Rita Kernn-Larsen. Dipinti surrealisti, a cura di Gražina Subelytė, Curatorial Assistant della Collezione Guggenheim, è un’esposizione, intima e raccolta, che inaugura le due nuove sale espositive del museo, le “Project Rooms”: spazi destinati ad accogliere progetti espositivi raccolti e mirati, finalizzati ad approfondire il lavoro di un artista, o specifiche tematiche legate alla produzione artistica di un determinato interprete del XX secolo, legato alla collezione di Peggy.

Nel 1937 Rita Kernn-Larsen (Hillerød 1904 – Copenhagen 1998) incontra a Parigi Peggy Guggenheim e l'anno seguente viene invitata dalla stessa collezionista americana a esporre presso la propria galleria londinese Guggenheim Jeune, in una personale che segna l'inizio della carriera 'surrealista' di Peggy. Questa mostra alla Collezione Peggy Guggenheim riunisce una preziosa selezione di dipinti surrealisti di Rita Kernn-Larsen, pittrice tuttora poco nota al di fuori dell'ambiente danese. Si tratta della prima esposizione di rilievo dedicata alle opere del periodo surrealista della Kernn-Larsen mai organizzata dai tempi della mostra alla Guggenheim Jeune, oltre i confini scandinavi, e oltre metà delle opere esposte a Palazzo Venier dei Leoni sono apparse nella sua personale organizzata da Peggy nel 1938.

lunedì 24 aprile 2017

V-A-C Foundation apre a Venezia un nuovo spazio




Una nuova realtà apre a Venezia, grazie alla russa V-A-C Foundation, il Palazzo delle Zattere progettato dallo studio _apml 

La V-A-C Foundation è una fondazione russa voluta da Leonid Mikhelson e Teresa Iarocci Mavica per sostenere le nuove forme dell'arte contemporanea e ora a Venezia crea uno spazio permanente dopo alcune partecipazioni a sostegno di artisti internazionali. 

I primi di Maggio si inaugurerà una grande mostra dal titolo "Space Force Construction" con opere di Wolfgang Tillmans e David Goldblatt, Barbara Kruger, Abraham Cruzvillegas, Kirill Gluschenko, Mikhail Tolmachev e Christian Nyampeta.






venerdì 21 aprile 2017

“Rio Grande” video di Yuri Ancarani




Dopo Bruno Ceccobelli, Mimmo Rotella, Fabrizio Plessi, Gaetano Pesce, Luca Buvoli, Arcangelo, Irene Andessner, Fausto Gilberti, Botto&Bruno, Marco Tirelli, Pietro Ruffo, Omar Galliani, Qiu Zhijie, è il ravennate Yuri Ancarani l’artista scelto da Caffè Florian per l'edizione 2017 di Temporanea – Le Realtà Possibili del Caffè Florian.

In concomitanza con la Biennale Arte 2017, dall’11 maggio fino al 10 settembre, il regista presenterà la sua nuova video installazione site specific dal titolo “Rio Grande” nella storica Sala delle Stagioni del Caffè di Piazza San Marco.
Girato poche settimane fa al confine tra Texas e Messico, «Rio Grande rappresenta l'idea di un confine che a volte non c'è», tema di strettissima attualità.
Per Ancarani, nato nel 1972, è un ritorno a Venezia, dopo aver preso parte alla Biennale Arte 2013 di Massimiliano Gioni. I suoi lavori di video artista e film maker nascono da una continua commistione tra il cinema documentario e l'arte contemporanea e volgono lo sguardo verso una ricerca tesa a esplorare regioni poco visibili e percepite del quotidiano, in cui Ancarani si addentra in prima persona.

I lavori di Yuri Ancarani sono stati presentati in numerose mostre e musei nazionali e internazionali, tra cui: 16. Quadriennale d’Arte - Altri tempi, altri miti (Roma) (2016/17); 55. Esposizione d'Arte Internazionale, Il Palazzo Enciclopedico, La Biennale di Venezia (Venezia); Fondazione Sandretto, Re Rebaudengo (Torino); MAXXI, Museo Nazionale delle, Arti del XXI secolo (Roma); AMACI, Museo del Novecento (Milano); Hammer Museum (Los Angeles, California); R. Solomon Guggenheim Museum (New York, USA).
Ancarani ha inoltre ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui: Premio speciale della giuria CINÉ+ Cineasti del presente, 69° Locarno Film Festival (Locarno, Svizzera) (2016); Talent Prize 2012; due nomination per “Nonfiction feature filmaking”; Cinema Eye Honors, Museum of Moving Image (New York, USA); “Grand Prix in Lab Competition”, Clermont-Ferrand Film Festival (Clermont-Ferrand, Francia).
In posizione privilegiata sotto i portici delle Procuratie Nuove in Piazza San Marco a Venezia, il Caffè Florian fu aperto il 29 dicembre 1720 da Floriano Francesconi con il nome di “Alla Venezia Trionfante”, ma ben presto la clientela prese l’abitudine di chiamarlo “Florian”. Da allora il locale rappresenta un ritrovo per artisti, intellettuali, politici e personaggi illustri nonché punto di incontro di svariate realtà.
Nel 1893, all’interno della Sala del Senato del Florian, nacque l’idea, grazie a Riccardo Selvatico e ad altri intellettuali veneziani, di organizzare la Prima Esposizione della Città di Venezia, conosciuta poi internazionalmente come la Biennale. Temporanea è nata proprio per celebrare questo storico evento.

giovedì 20 aprile 2017

Recuperate due opere di Paolo Veronese



Fra i tantissimi eventi proposti nei giorni della Biennale fa piacere segnalare anche la bella iniziativa supportato da Bulgari e da Venetian Heritage nel recuperare due opere di Paolo Veronese presenti nella chiesa di San Pietro Martire a Murano.


L'11 Maggio sarà presentato il lavoro di recupere o le opere restaurata presso le Gallerie dell'Accademia di Venezia, seguirà poi un'altra presentazione il 24 Ottobre a New York presso la Frick Collection.  



CS

L’isola di Murano era conosciuta non solo per le famose fornaci che producevano vetri soffiati celebrati in tutta Europa, ma anche per la presenza di numerose chiese, ville, monasteri e giardini.

L’Ottocento fu un secolo nefasto soprattutto per l’isola di Murano, dove con l’applicazione dei decreti napoleonici e più tardi di quelli austriaci, furono demoliti numerosi istituti religiosi. I dipinti di Paolo Veronese si trovavano nell’ex chiesa di Santa Maria degli Angeli, edificio d’impronta rinascimentale ancora esistente, ma spogliato di ogni opera d’arte già dal 1806. Le tele furono trasferite nella vicina chiesa di San Pietro martire, dove sono attualmente collocate. Le fonti ci informano che si trovavano presso la cappella di San Gerolamo e furono eseguite nel 1566 da Paolo Veronese su commissione di Francesco degli Alberi.

I dipinti si presentano molto scuri e poco leggibili, probabilmente a causa dell’applicazione di vernici, poi ossidate nel tempo. Le ricche cornici seicentesche, scolpite e dorate, si trovano in pessimo stato di conservazione.

Il restauro, attualmente in corso, restituirà le celebri cromie veronesiane. L’intervento di restauro dei dipinti e delle cornici è stato sostenuto grazie al generoso contributo della maison Bulgari.



progetto 
restauro di due dipinti di Paolo Veronese e delle cornici barocche
luogo
chiesa di San Pietro martire, Murano, Venezia
direzione lavori
Soprintendenza belle arti e paesaggio di Venezia e laguna
ditte esecutrici
Claudia Vittori, Venezia;
Sansovino s.n.c. di Antonio Casellati
& Francesco Grimaldi, Venezia
donazione
Bulgari;
Venetian Heritage
inizio lavori
aprile 2016
fine lavori
lavori in corso
finanziamento 
62.500,00€

Pierre Huyghe all'Espace culturel Louis Vuitton



Quest'anno l’Espace culturel Louis Vuitton di Venezia ospiterà una selezione delle opere di Pierre Huyghe, parte della serie di eventi intitolata “Beyond the Walls”.


Le diverse azioni artistiche di Pierre Huyghe saranno proposte a Venezia e poi in altri spazi del noto marchio francese. La Fondation Louis Vuitton presenterà nei suoi spazi tre lavori provenienti dalla sua vasta collezione: A Journey That Wasn’t (2005), un video e le sculture creature (2005-2011) e Silence Score (1997). In mostra dal 10 maggio al 26 novembre 2017 presso l’Espace Louis Vuitton di Venezia.

Personale femminile



Con PERSONALE FEMMINILE “Mi interessava metter in rilievo l’approccio all’arte di tre giovani donne, con percorsi e sensibilità diverse, ma simili nella delicatezza, nella voglia di creare un proprio linguaggio e nel codice femminile di autoselezione e autocritica elevatissimo sul proprio lavoro. 

Questa loro severità e onestà intellettuale non solo le contraddistingue, ma genera opere di grande perfezione e interesse.” Spiega Ermanno Tedeschi curatore della rassegna nello spazio El Magazen dell’Arte in Dorsoduro a Venezia. Tre artiste Fancesca Duscià, Brigita Huemer Limentani e Barbara Nejrotti si alterneranno per presentare  le proprie opere in un contesto molto suggestivo.

La prima inaugurazione, sabato 29 aprile ore 18,30 vede protagonista Brigita Huemer Limentani, la cui personale  resterà aperta sino al 29 maggio.

Brigita Huemer Limentani
Personale di a cura di
Ermanno Tedeschi

Spazio El Magazen dell’arte
Dorsoduro 1375 – Venezia
dal 30 Aprile al 29 Maggio
Aperto dalle ore 11 alle 19

Khora Contemporary





This year’s Venice Biennale will mark the launch of Khora Contemporary, a Virtual Reality (VR) production company created specifically for artists. 

Major commissions by German artist, Christian Lemmerz, and from LA-based Paul McCarthy, will mark Khora Contemporary’s launch, part of this summer’s Faurschou Foundation presentation in Venice, during the 2017 Venice Biennale. Both artists can be seen to have pushed their ideas, and ultimately their practice, through their ground-breaking approach to the use of this fast-evolving medium. Christian Lemmerz’s La Apparizione, produced earlier this year, aims to disrupt stereotypes of religious imagery, engaging the viewer in a discomforting, close-up experience with a burning corpse of Jesus Christ, which ‘rains’ embers. Jesus and other religious personages have figured in the artist’s work before, and ‘Bodybuilder’ Jesus first appeared in Lemmerz’s oeuvre in 2013 in sculpture form. Here, he comes alive in death, his rippling muscles writhing in agony, dripping golden blood into the physical space of the viewer. 

The aim of this VR work is to enhance the relationship the viewer forms with the imagery; its beauty, excess, death and pain. Paul McCarthy’s work CSSC VR experiment "what is your name?” has been especially created for the show in Venice, and revisits characters previously present in the series ‘Coach Stage Stage Coach’, or ‘CSSC’ for short. McCarthy has often tested the emotional stamina of the public. This time experience transcends borders, through the interplay of the female characters Mary and Eve, the artwork interacts directly with the viewer’s personal space, left with no choice, but to take a protagonist position in the unfolding act. Khora Contemporary commission works directly from artists, connecting them to specialist developers at Khora VR in Denmark. 

The artworks are presented using the best VR technology to date, HTC VIVE, a fully immersive VR system allowing room-scale movement. Khora Contemporary aims to trigger a new wave of artistic practice, and experiential artworks, with the power to affect the senses and the subconscious. Virtual reality has made a successful entry onto the global market at an unusually fast pace, although access for artists to the most up to date technology and quality viewing options is still developing. Khora VR has joined forces with Faurschou Foundation to launch Khora Contemporary to enable artists to create new scenarios where the psychological and physical spheres overlap. 

www.khoracontemporary.com /info@khoracontemporary.com Instagram: @khoracontemporary Facebook: @khoracontemporary 

12 May - 27 August 2017 Faurschou Foundation, Fondazione Cini, Venice

VITEL TONNÉ - An Art Recipe Exhibition in Venice



ENG  / ITA

Vitel Tonné is a Piedmontese dish of cold, sliced veal covered with a creamy, mayonnaise-like sauce that has been flavored with tuna; it is also known as “the main course of an Italian meal or as an exceedingly elegant antipasto for an elaborate dinner", Marcella Hazan, the famous authority on Italian cuisine, states.

 Veal + tuna + mayonnaise, separately strong ingredients, with solid flavour, compose a great dish. According to canonical parameters on cooking, Vitel tonné should not exist, Fish + Meat = Forbidden! And if it did not, Italian cuisine would be sorely lacking.

But, there is always an exception, and it’s the peculiar nature that gives birth to a genius dish.

 This culinary introduction, might sound like an odd premise for an art show, but it is only too appropriate for the organic exhibition that THE POOL NYC is presenting for this 2017 Venice Biennale at Palazzo Cesari-Marchesi.

 We are proud to serve a selection of junk media and free range artists, very spicy and from various countries, all belonging to the same kitchen of ART.

 Art, as we see it, is the Grande Cucina with many chefs, all with their own unique sense of personality, humor, fantasy, intelligence, sensitivity.

 There is a common denominator that let arts stick together, even being from different centuries and origins, as it happens in magical recipes.

 THE POOL NYC is happy to marinate, in the rooms of an old Venetian Palace of the XVIII century, a wide selection of Modern and Contemporary artworks for a digestible show.
 Walking through the salons of the palazzo will entertain your eyes, will stimulate your spirit, and will nourish your cultural avidity. Every room is filled with a specific medium in order to satiate your need of ceramic, figurative painting, or photography without additives. Your artistic hunger will be satisfied by slicing every single work of art installed within the Palazzo.
 The Menu is rich of interesting dishes, made of contemporary dairy free ceramic, organic paintings of the XX and XXI Century served in an old building.

 This explosive dressing will regenerate your stomach. It will be a shake of artworks, to savor all together, or each separately. You can start with a vegan antipasto of photography and end with a glazed ceramic dessert.

 The main salon, garnished with stuccos, hosts a convivial long table, where the whole art family, will peacefully dine, exchanging opinions despite their different nature.
In Italy we experience the Cuisine not just as a survival or Epicurean moment, but as a situation where we get together. We don’t care about nationality, dairy products, color, vegetarianism, taste, Extra Virgin Olive Oil, size, veganism, age, medium, political views, feminism, spacialism, abstract art, pop-art, we can live together and devour it all.
This is a gluttonous experience, and we are pleased to share it with you.
 



ITA

Il Vitel Tonné è un piatto tipico piemontese realizzato con il girello di vitello e la salsa tonnata. Si può guarnire con capperi e limone.


 Vitello, tonno e maionese, ognuno con un sapore forte, danno vita a una ricetta favolosa.
Seguendo i canonici parametri della buona Cucina, il Vitel Tonné non dovrebbe esistere perché Carne+Pesce=Divieto Assoluto! Ma ecco l’eccezione che conferma la regola.

 Questa introduzione culinaria potrebbe apparire bizzarra per una mostra d’arte, ma è assolutamente adatta per la organic exhibition che THE POOL NYC presenta a Palazzo Cesari-Marchesi in occasione della 57esima edizione de La Biennale di Venezia.

 Acquolina in bocca per i più avidi collezionisti. Si tratta di una mostra ghiotta: vetri, ceramica, pittura, astratta e figurativa, video, installazioni, fotografia, disegni, acquerelli, diorami; una visione dell’arte come esperienza golosa, adatta a palati sopraffini.

 Siamo orgogliosi di servirvi una selezione di junk media e artisti liberi, assai speziati e di varia provenienza, tutti però appartenenti alla stessa Cucina dell’Arte.

 L’arte, per come la intendiamo, è la Grande Cucina con tanti cuochi, ognuno con la propria personalità, humor, fantasia, intelligenza e sensibilità.

Un comune denominatore fa sì che le arti, sebbene di secoli e luoghi diversi, ben convivano, proprio come nelle migliori ricette di cucina.

 Nelle stanze di un antico palazzo veneziano del XVIII secolo, THE POOL NYC è felice di marinare un’ampia selezione di lavori di Arte Moderna e Contemporanea per una mostra davvero sfiziosa.

Camminare all’interno dei saloni del palazzo attrarrà i vostri occhi, stimolerà lo spirito e nutrirà la vostra avidità culturale. Ogni stanza è farcita d’arte per saziare il vostro bisogno di installazioni multimediali, di pittura figurativa, o di diorami senza conservanti.

Questo menu esplosivo vi rigenererà. Potrete cominciare con un antipasto di fotografia e finire con una spuma di ceramica invetriata.

 La sala principale, guarnita con stucchi, ospita un banchetto dove l’intera famiglia dell’arte mangerà insieme, scambiando convivialmente opinioni.

In Italia siamo abituati a mangiare non tanto per sopravvivere o per il piacere del palato, ma soprattutto per stare insieme, come atto simposiaco. Non importa la nazionalità dei partecipanti, la loro età, il colore, l’appartenenza a una corrente artistica, che siano vegetariani, figurativi, o biodinamici; non discriminiamo nessuno per le visioni politiche o i media utilizzati; siamo aperti al Femminismo, allo Spazialismo, all’Astrattismo, alla Pop-Art; usiamo Olio Extra Vergine d’Oliva e acrilico; ci ritroviamo tutti insieme allegramente e divoriamo tutto quel che ci viene proposto.

Preparatevi a un’esperienza golosa, che noi siamo felici di condividere con voi.
 
Artists:                                
Ercole Barovier, Gina Beavers, Bertozzi & Casoni, Giacomo Cappellin, James Case-Leal, Eteri Chkadua, Marcel Dzama, Giorgio Ferro, Stefania Fersini, Piero Fogliati, Luigi Ghirri, Piero Gilardi, Giorgio Griffa, Riccardo Guarneri, Patrick Jacobs, Austin Lee, Sol LeWitt, Aldo Mondino, Niccolò Montesi, MVM, Luigi Ontani, Jonathan Rider, Andrea Salvatori, Antonio Scaccabarozzi, Carlo Scarpa, Peter Schuyff, Archimede Seguso, Bianca Sforni, Federico Solmi, Giuseppe Stampone, Fratelli Toso, Giulio Turcato, Ludwig Wilding.

Address:
Calle Rombiasio, Campo Santa Maria del Giglio, 30124 Venezia.

How to find us:
Once in Campo Santa Maria del Giglio, walk opposite to Canal Grande, pass the church of Santa Maria del Giglio on the left and Tessitura Bevilacqua on the right, following THE POOL NYC stickers.

Vaporetto stop:  S. Maria del Giglio (same stop of the Gritti Palace)

Water access: Rio de l’Alboro (aka Rio de le Ostreghe)

Dates: 9th May-25th June 2017

Hours of Operation: daily 11 am – 7 pm and by appointment
Vernissage and Opening Reception: 9th May 2017 at 6 pm.